Im Gegensatz zum vorhergehenden Mogwai-Studioalbum "Hardcore Will Never Die But You Will – das mit Hardcore, welcher Art auch immer, nicht unbedingt viel zu tun hatte – trifft der Genre-Verweis im Titel ihres 2014er-Album "Rave Tapes" diesmal tatsächlich zu einem gewissen Grad zu. Schon auf dem Vorgänger verwendeten Mogwai unerwartet viele elektronische Elemente; auf "Rave Tapes« finden sich nun Stücke, bei denen die Synthesizer nicht nur als dem Song Fläche gebendes Mittel eingesetzt werden (wie zum Beispiel bei "Master Card"), sondern die Synthesizermelodien sogar treibendes Element sind (vor allem in "Remurdered" und "Deesh"). Die beiden mit einem Musikvideo bedachten Stücke "Simon Ferocious" und "The Lord Is Out Of Control" dürften dann  dafür gesorgt haben, dass die Entwicklung des Sounds der Band auf ihrem neuen Album als eine Entwicklung hin zum Krautrockmäßigen beschrieben wird – aufgrund ihrer Repetetivität und den  hervorstechenden analogen Elektroniksounds. Dabei finden sich auf "Rave Tapes" auch Stücke wie der Opener "Heard About You Last Night" oder "No Medicine For Regret", die man wegen den in ihnen erzeugten Stimmungen, dem Song-Aufbau und den hinreißenden Gitarren- und Klaviermelodien als eher Mogwai-typisch beschreiben würde. Mogwai schaffen, was man sich von vielen Bands des von ihnen maßgeblich mitbeeinflussten Post-Rock-Genres erhofft: Eine Erweiterung der Möglichkeiten für Musik dieser Art. Dadurch, dass Mogwai sich nicht allein auf die Stimmungseffekte von Delay-Gitarren, getragenem Schlagzeugspiel etc. verlassen, sondern immer neue Elemente (in "Blues Hour" etwa sogar wieder Gesang) in ihre Musik mit aufnehmen, verlieren sie sich nicht in innovationslosen Wiederholungen des ihnen eigenen Sounds, sondern schaffen neue Formen musikalischer Schönheit. (Aiva Kalnins)

Nach 13 Jahren erscheint ein neues Album von dem Mann mit dem berühmten Weirdo-Grinsegesicht unter seinem bekanntesten Pseudonym Aphex Twin. 13 Jahre in denen die Errungenschaften und das Pioniertum von Richard D. James durch die Kooperation mit dem polnischem Komponisten Krzysztof Penderecki in der modernen Klassik und von Künstlern wie James Blake charttauglich verwurstet wurden. Und 13 Jahre in denen der kornische Wahl-Schotte Melodiebögen und vermeintlich gängige Songstrukturen für sich entdecken konnte. Keine Panik, "Syro" ist kein konventionelles Ambient-Weichspül-Album geworden. Tracks wie "180dp", "S950tx16wasr10" oder der Opener "Minipops_67" halten was ihre kryptischen Titel versprechen. Alles, was die 138 auf dem Cover gelisteten, teilweise selbstmodifizierten Sampler, Tool und Höllenmaschinen hergeben, kommt zum Einsatz. Deepe HipHop-Beats, rollende End 90er Drum’n’Bass Bässe, gegen den Strich laufende Synthie-Guidelines und natürlich wird mit den obligatorisch verschrobenen Sprechfetzen gearbeitet – es taucht Vieles auf, wofür der Warp-Katalog in seiner Urform stand. Doch wehe man wähnt sich auf der sicheren Seite. Jeder Track birgt Sounds die sich scheinbar unbegrenzt weiterdrehen und umdeuten lassen. Und was ist gruseliger als der Moment, indem sich etwas möglich Vorhersehbares als gänzlich ungreifbar entpuppt. Das Spiel mit den kleinen, fiesen Doppeldeutigkeiten – das beherrscht James auch 2014 in Perfektion. So please, Come To Daddy, again. (Thomas Markus)

„Treffen sich fünf Isländer und ein Norweger im Studio und machen Reggae...“ Was klingt wie der Anfang eines schlechten Witzes ist im letzten Jahr passiert: mithilfe der isländischen Band Hjálmar hat Erlend Øye ein Indie-Reggae-Pop-Album rausgebracht. Reggae für Reggae-Hasser. Über kaum jemanden hört man so viele Gerüchte wie über Erlend Øye. Er sei mit seiner Mutter nach Sizilien gezogen und genieße jetzt la Dolce Vita. Gehört hat man das 2013 in der Single „La Prima Estate“ und ich hab mich ein bisschen vor dem Album gefürchtet. Das war Italo-Pop mit einem schrecklichen Video, in dem Frauen in Blumenkleidern tanzen und Øye im original italienischen Auto original italienische Sonnenbrille trägt und in hippen Socken vor sinnlosen Wänden steht. Doch dann kam der Herbst und mit ihm Legao. Und Legao hat den Herbst gerettet. Øye hat sich vom Italo-Pop verabschiedet und singt wieder auf Englisch. Ein bisschen was vom Kings-of-Convenience-Schmuse-Style ist noch vorhanden, wird aber durch die ungewohnten Reggae-Rhythmen aufgebrochen, die sich einfach so einschleichen. Hab ich grad mit dem Fuß gewackelt? Ne. Und die Texte? Keine Ahnung. Irgendwas mit Liebe. Ist aber auch egal. Die Musik reicht. Dass Whitest Boy Alive 2014 ihr Ende bekanntgaben, ist traurig. Aber wenn, das, was da irgendwo zwischen Island und Italien in Zukunft noch entsteht, so viel Spaß macht wie Legao, kommen wir damit schon irgendwie klar. (Lydia Meyer)

Für Pianos Become The Teeth aus Baltimore markierte das Jahr 2014 eine weitgehende Abkehr vom Screamo-Postrock des bisherigen Schaffens, hin zu herrlich getragenen, hymnischen Rocknummern in der Lücke zwischen The National und Dredg auf der Höhe ihres Schaffens. "Keep You" war eine der Platten, die in ihrer emotionalen Aufgeladenheit und ihrer erdigen Standfestigkeit einen beruhigenden Gegenentwurf zur nicht versiegenden Hipsterpop-Chartsappeal-Quelle bot. "Keep You" erging sich bei aller Trauer nie in Düsternis, sondern hob an und trieb voran durch ihre Tempiwechsel und die konsequente Abwechselung von lauten und leisen Passagen. Opulent und voll klingt diese Musik, aber nie bombastisch oder gar überfrachtet. Dazu ein paar spannende Melodiebögen und die mitreißende Stimme von Kyle Durfey, und fertig war ein Album, das zum nächtlichen Rotweinkonsum genauso geeignet war wie für die hochgereckte Faust. Wenn das die Renaissance des Emo ist, das war allen klar, ist Emo endlich wieder salonfähig und herzlich willkommen dank dieser Band und ihrem vierten Longplayer. (Kristof Beuthner)

Einem Blindflug auf dem Reeperbahn Festival in diesem Jahr, ist es zu verdanken, dass ich auf diese vierköpfige Band aus Cambridge aufmerksam geworden bin. Mit The Days War kommen die Jungs mit einem Debütalbum um die Ecke, welches den Zuhörer vom ersten bis zum letzten Titel fesselt. Gitarre und Gesang verschwimmen stimmig zusammen. Jeder Titel wirkt durchdacht und erweckt den Eindruck, genau dorthin zu gehören, wo dieser letzten Endes seinen Platz auf dem Album gefunden hat. Beginnend mit einem leichtfüssigen Intro, entfaltet sich die Kraft des Albums bereits beim 2. Titel „Trick of the light“ und schon der nächste Song „Backroads“ zeigt, mit seinem gewaltigen Chorus, wozu diese Band imstande ist. Über „Dinosaurs“, „Victory Line“ und „The Blue, The Green“ ebnet sich dieses Kunstwerk seinen Weg zum finalen Song „Call of horses“, welcher der Bezeichnung `Finale´ mehr als würdig ist. Völlig zurecht überschlug sich die britische Presse mit ihren Reviews und ich kann es Ihnen nur gleichtun. Ein ganz, ganz wichtiges Album aus diesem Jahr und wer weiß ob diese Band nicht noch zu Höherem berufen ist. Ich für meinen Teil, bin jedenfalls gespannt den Werdegang weiter zu verfolgen! (Tilo Kracht)

Für Jakob Amr war es ein gutes Jahr. Mit dem Trouble Orchestra ist er reichlich herumgezogen und mit seinem alter Ego Zinnschauer, das er allerdings inzwischen als Mehr-Personen-Projekt aufstellt, veröffentlichte er das erste "richtige" Album. "Hunger.Stille" war und ist für Gelegenheitsausflügler in die Schnittstelle zwischen Emo und Songwriter ein schwerer Brocken, bis zum Überlaufen angefüllt mit Metaphern aus der inneren Hölle, an deren Wänden die Schlagworte Liebe, Verlust, Angst und Tod in unendlichen Schriftarten und -größen geschrieben stehen. Für jeden, der Zinnschauer schon etwas länger kennt, vergrößert sich der Kosmos, in dem sich Erzähler und Zuhörer Hand in Hand in einer Spirale winden, in der Zinnschauers Geschichte schlüssig und hochfaszinierend fortgeführt wird. So sperrig es ist, so belohnend ist der Gewinn, hat man sich diesen Kosmos erst erschlossen. Ich bleibe dabei: Zinnschauer ist so ziemlich das aufregendste, was es hierzulande momentan gibt. Dass die Redaktion ihn einhellig so hoch in die Jahresbestenliste stellt, ist eine eindrucksvolle Bekräftigung. (Kristof Beuthner)

Wir nähern uns dem Finale und vergeben Platz 4 nach New Jersey an Atlas von Real Estate. Ein Album was früh im Jahr erschien und trotzdem lange auf sich warten ließ. 3 Jahre die man gerne aushält wenn das Ergebnis ein so schönes ist. Ein Album voller lo-fi Pop was uns die Kunst des Weglassens an sich selbst erklärt. Eine Portion Entschleunigung in 10 Liedern die wir dieses Jahr in Dauerschleife hörten und auch beim Immergut Festival auf der Bühne begutachten durften. Mit einer Hand voll Ohrwürmern und dem Nachgeschmack des Festivalsommers ist dieses Album auch am Ende des Jahres noch präsent. Simpel kann also schön sein, wenn es zugleich nicht einfach ist. Wenn es mutig genug ist sich nicht zu verstecken und es gelingt die Dinge auf den Punkt zu bringen. Dann schafft man es in die Herzen der Nillson Redaktion und manchmal auch unter die letzten Drei Plätze der Jahrescharts. Glückwunsch! (Stefan Kracht)

The Notwist sind lebende Legenden und dann auch noch in Deutschland lebende Legenden und dann auch lebende Legenden, die ihre Base immer noch in Weinheim (aka Arsch der Welt) haben. Und wenn lebende Legenden vom Arsch der Welt ein neues Album rausbringen, kann es schon mal sein, dass man am Veröffentlichungstag mit schweißnassen Händen im Plattenladen steht. Doch sämtliche Ängste vor diesem aktuellen Notwist-Streich erwiesen sich schnell als unbegründet. Natürlich. Das knistert und piept an allen Ecken und klingt irgendwie immer noch nach früher, immer noch nach The Notwist, immer noch wie "Neon Golden", ohne dass es dabei noch das gleiche wäre. Close to the Glass ist kompliziert und ultrapop, verfrickelt und verschroben, so wie früher und ganz neu, fummelig und klar, melancholisch und doch futuresk. Worte sind zu scheiße für The Notwist. Jahrescharts sind zu scheiße für The Notwist. Platz 3 ist zu scheiße für The Notwist. Trotzdem: Wörter für The Notwist. Jahrescharts für The Notwist. Platz 3 für The Notwist. Weil es nicht drei Mal Platz 1 geben kann. Das ist der einzige Grund. (Lydia Meyer)

Als „Sehnsucht nach „Entschleunigung“ hat Spaceman Spiff sein Anfang 2014 erschienenes Album „Endlich Nichts“ beschrieben. Von Entschleunigung konnte für den gebürtigen Würzburger im Laufe des Jahres wahrlich keine Rede sein. Fünf Jahre nach seinem Debüt „Bodenangst“ spielt der 28-Jährige ausverkaufte Konzerte im Vorprogramm von Marcus Wiebusch und geht auf gefeierte Doppel-Tour mit Enno Bunger. Jeder, der den Weltraummann von Januar bis Dezember live gesehen hat, konnte grandiose Momente in die 2014er Erinnerungsschatulle packen, in der schon längst „Endlich Nichts“ ihren wohlverdienten Platz eingenommen hatte. Es sind die abwechslungsreichen Harmonien und es ist die tragende Dynamik der Arrangements, die Spaceman Spiffs Debüt bei Grand Hotel van Cleef mühelos auf Platz 2 unserer Jahrescharts katapultieren. Es sind Zeilen wie „Du kamst für den Strand unter den Füßen und gingst mit Sand in den Schuhen.“, die schlicht konkurrenzlos sind und vor denen wir uns an dieser Stelle verneigen möchten. Wir freuen uns schon jetzt auf Neues aus dem Hause Spaceman. (Daniel Deppe)

Wunderkind, Nerd der Herzen, Ausnahmefrickler, Doktor Disco - Was wurde nicht schon alles geschrieben zur Person des studierten Mathematikers Daniel Victor Snaith. Eine Jonglage der Superlative, die ich lieber anderen überlasse. Mein Repertoire aus Fach- Vergleichs- und Vorwissen ist einfach zu gering, um als Analysekünstler im Elektrozirkus zu brillieren. Ich bin ein Indie- und Punkrockkind der 90er – Das werde ich immer bleiben. Aber auch ich höre Musik mit dem Herzen – So sollte es ja auch sein. Und dieser Wahllondoner mit kanadischen Wurzeln hat es mir irgendwie angetan. Das ging mir beim Vorgängeralbum „Swim“ so und findet seine Wiederholung beim aktuellen Longplayer „One Love“. Seit jeher fasziniert mich die Vielseitigkeit und Wandlungsfähigkeit dieses Mannes. Als Manitoba feiert er Jazzsampleorgien auf Bigbeats, als Daphni wagt er Ausflüge in die Clubmusik und als Caribou verquirlt er Psychedelisches, Glockenspiel und Technobeats zu einer klebrigen Ohrwurmmelasse. „One Love“ ist etwas eingängiger und poppiger geraten, ohne jedoch belanglos und unkreativ zu wirken. Das Überraschungsmoment bleibt auf Snaith´s Seite. Und in Zeiten, in denen Indie- und Punkrock gefühlt eher stagnieren, bietet das Musikchamäleon mit der Nerdbrille eine gern mitgenommen Abwechslung. Das macht ihn folgerichtig abermals zu unserer Nummer 1. (Jan Bruns)